Line, Leaf and Boundary: Present in Time

Enlighten Gallery · Booth A03 (group presentation)

In Lo Chan Peng's recent paintings, the line has slowly changed from a tool for describing things into a structure of form in its own right.

The line first appeared in the Homesickness series. Ink, mineral pigment, oil and silver leaf were placed in a single picture, and materials from different painting traditions began to work together. In 2026 the line moves to the centre of the picture. It cuts into the figure's body, crosses the face and shoulders, and draws hair and vines. In doing so it raises one of painting's most basic questions: how is a form actually seen?

East Asian painting has a long history with this question. From baimiao line drawing and ink painting to ukiyo-e, the line carries the form directly, and a single contour is enough to establish a figure, a plant or running water. After the nineteenth century, when ukiyo-e reached Europe, its contours, flat planes and cropped compositions gave modern painting an important way of rethinking the picture. Western painting, long built on perspective, light and shade, and volume, began to let the picture admit that it is flat.

Lo brings this history back into figure painting. He still builds the volume of the face in oil, adding translucent layers one over another, and the skin turns subtly between light and shadow. The hair and vines are made of distinct lines and keep a flat, clear contour. Two ways of making form work on the same figure at once, and where they meet there is a clear boundary.

That boundary falls on a face. For twenty years Lo has painted almost nothing but people. In his artist statement he writes that what each painting tries to capture is a radiance unique to human beings: being present in time, and accumulating experience in the flesh.

This radiance appears in different forms across his work. Strawberry Generation paints the youth of a generation while it was happening. Chronicle of the Human World removes setting and props and keeps only the features and a single gaze, to paint the feeling that stirs when two people look each other in the eye, a feeling without a name. Historic Movers & the Doomed places Lincoln, Darwin and Churchill beside the nameless victims of history; the fires that once lit an age have mostly burned down to embers. After a great loss, Lumière took light itself as its subject for the first time. In Firefly, it is a faint light blinking on and off in the dark, which can only be met at the moment it appears. None of these moments can be lived again.

The new works of 2026 bring this into the structure of the picture. The face is built from translucent layers, and each layer has to wait for the one before it to dry completely: a stretch of time passing without a break. The line fixes the form in an instant. A life that keeps flowing, and a boundary that lets it take shape for a while, appear together on one face.

This kind of line comes from Homesickness. Homesickness (2025) asks who gets to tell the story called "Asia." For a long time Asia has mostly been described through Western eyes and reduced to an exoticism that is easy to recognise and easy to collect. Lo paints Taiwan's version. The contour of ukiyo-e, ink, mineral pigment and burnt leaf entered the island's culture at different points in its history, and here they sit in the same picture as realist oil painting. This layered condition makes up Taiwan's own visual experience. The new works start from this mixture and let painting languages of different origins meet on one surface, each keeping its own rules.

Light also enters the new works in a physical way. In 2011, Professor Izumi Nakai of Tokyo University of Science carried out a material analysis of Ogata Kōrin's Red and White Plum Blossoms screens and found silver leaf and sulphur in the stream at the centre. The silver and copper leaf in Lo's new works has been fired, borrowing the idea of yakihaku, a technique from Japanese painting. Heat and chemical reaction cause irreversible colour changes on the metal surface. The artist can control the material, the temperature and the handling, but cannot decide in advance what colour each spot will end up. None of these colour changes can be redone.

In the series The One Who Remained Still for a Hundred Years, the girl's face stays in an almost frozen moment, the hair and plants around her are still moving, and the metal surface holds a change that has already happened and cannot be reversed. Lo calls his figures "portraits of duration." In his statement he writes that history lives "in the way a figure remains still after everything has changed." The figure is still, the line flows, and the leaf keeps a material change that is already complete. Three different senses of time exist in one painting.

This carries particular weight today. Images can be generated and copied quickly and recombined without end in digital space; the colour changes of burnt leaf can only exist by going through a real physical process. In his essay "New Values for a New Era," Lo writes that once a person's habits of composition, logic of colour and way of thinking can all be packaged into an AI agent, "the boundary of the human" will start to blur. At this point his figure painting returns to the outline of a person, and with the slowness of the hand it paints, layer by layer, the time a life has passed through.

The volume of realism, the East Asian line, the grain of mineral pigment, the translucent layers of oil, and the metal leaf reflecting the light in the room all share one canvas. Where the viewer stands also becomes part of the work: when a person moves, the reflection on the leaf changes; when the viewing distance changes, so does the relation between line and volume. The painting is an image that has been fixed, and also a surface that keeps changing as it is looked at.

A sheet of silver leaf reflects today's viewer and also keeps a material change from the past. The light the leaf shows at this moment belongs only to the person standing in front of the painting.

Only in this moment.

The artist will be present on Thursday 29 and Friday 30 October.

線と箔と境界、時間のなかに臨在する

Enlighten Gallery（曙画廊）グループ展示

羅展鵬の近年の絵画では、線が描写のための道具から、それ自体で形をつくる構造へと少しずつ変わってきた。

この線が最初に現れたのは《ホームシック》シリーズである。水墨、岩絵具、油彩、銀箔がひとつの画面に置かれ、異なる絵画の伝統から来た素材がともに働きはじめた。2026年になると、線は画面の中心に押し出される。線は人物の身体に切り込み、顔や肩を横切り、髪や蔓を描く。そこから、絵画のもっとも基本的な問いが浮かんでくる。ひとつの形は、どのようにして見えるのか。

この問いには、東アジアの絵画のなかで長い歴史がある。白描や水墨から浮世絵まで、線はそのまま形を担い、一本の輪郭だけで人物や植物、水の流れを成り立たせてきた。十九世紀以降、浮世絵がヨーロッパに渡ると、その輪郭や平面、切り取られた構図は、近代絵画が画面を考え直す大きなきっかけになった。遠近法と明暗と量感の上に長く築かれてきた西洋絵画も、画面が平らであることを認めはじめる。

羅展鵬はこの美術史を人物画に連れ戻す。顔はいまも油彩で量感をつくり、透明な色の層を少しずつ重ね、肌は光と影のあいだで細かく移り変わる。髪と蔓ははっきりした線で描かれ、平らで明快な輪郭を保つ。二つの形のつくり方がひとりの人物の上で同時に働き、その出会うところに、くっきりとした境界ができる。

その境界は、ひとつの顔の上にある。この二十年、羅展鵬が描いてきたのはほとんど人だけである。アーティスト・ステートメントのなかで彼は、一枚一枚の絵がとらえようとしているのは人間だけがもつ輝き、つまり時間のなかに臨在し、肉体のなかに経験を積み重ねることだと書いている。

その輝きは、作品ごとに違うかたちで現れる。《草莓族（ストロベリー・ジェネレーション）》が描いたのは、ひとつの世代の、いままさに起きている青春だった。《人間草紙》は背景も小道具も取り払い、目鼻立ちとひとつのまなざしだけを残して、二人が目を見合わせたときに胸のなかで動く、名前のない感覚を描いた。《歴史を変えた人／歴史に変えられた人》は、リンカーン、ダーウィン、チャーチルと、歴史のなかの名もない受難者たちを並べる。かつてひとつの時代を照らした火は、その多くがもう消えかけた残り火になっている。大きな喪失のあと、《光》ではじめて光そのものが描く対象になった。《蛍》では、それは闇のなかで点いたり消えたりし、現れたその瞬間にしか出会えない小さな光である。どの瞬間も、もう一度生きることはできない。

2026年の新作は、このことを画面の構造に持ち込む。顔は透明な色の層を一層ずつ重ねてできていて、どの層も前の層が乾ききるのを待たなければならない。そこには途切れずに過ぎていく時間がある。線のほうは、一瞬で形を決める。流れつづける生命と、それをしばらくのあいだ形として見せる境界線が、ひとつの顔の上に同時に現れる。

こうした線は《ホームシック》から来ている。2025年の《ホームシック》は、「アジア」という物語を誰が語るのかを問うた。長いあいだ、アジアはおもに西洋の目で語られ、見分けやすく集めやすい異国趣味に単純化されてきた。羅展鵬が描くのは台湾の版である。浮世絵の輪郭、水墨、岩絵具、焼箔は、それぞれ異なる時代にこの島の文化に入ってきて、油彩の写実とひとつの画面に並んでいる。この重なり合った状態が、台湾自身の視覚経験をつくっている。新作はこの混ざり合いから出発し、出どころの違う絵画の言葉をひとつの画面で出会わせ、それぞれに自分の規則を保たせている。

光は新作のなかに、物理的なかたちでも入ってくる。2011年、東京理科大学の中井泉教授が尾形光琳《紅白梅図屏風》の材料分析をおこない、中央の流水の部分から銀箔と硫黄を検出した。羅展鵬の新作に使われている銀箔と銅箔は焼きを入れたもので、日本画の「焼箔」という技法の考え方を借りている。熱と化学反応によって、金属の表面には元に戻らない色の変化が起きる。作家は素材や温度、扱い方を制御できるが、それぞれの場所が最後にどの色になるかを前もって決めることはできない。どの色の変化も、やり直しはきかない。

《百年動かない少女》のシリーズでは、少女の顔はほとんど凍りついたような一瞬にとどまり、まわりの髪や植物は動きつづけ、金属の表面には、すでに起きて元に戻せない変化が残っている。羅展鵬は自分の描く人物を「持続の肖像」と呼ぶ。ステートメントのなかで彼は、歴史は「ひとりの人物が、すべてが変わってしまったあとも静止しつづける、そのありかたのなかに」あると書いている。人物は静止し、線は流れ、箔はすでに終わった物質の変化を残している。三つの異なる時間の感覚が、一枚の絵のなかに同時にある。

これは今日、特別な重みをもつ。画像はすばやく生成、複製され、デジタル環境のなかでいくらでも組み替えられる。焼箔の色の変化は、実際の物理的な過程を一度通らなければ存在できない。羅展鵬は論考《新しい時代の新しい価値観》のなかで、ひとりの人間の構図の癖、色の論理、考え方までがAIエージェントに詰め込めるようになれば、「人間の境界」はぼやけはじめると書いている。そうしたなかで、彼の人物画は人の輪郭へと戻り、手で描く遅さで、ひとつの生命が過ごしてきた時間を一層ずつ描いていく。

写実の量感、東アジアの線、岩絵具の粒子、油彩の透明な層、そして会場の光を映す金属箔の反射が、一枚のカンヴァスの上に共存している。見る人の立つ位置も作品の一部になる。人が動けば箔の反射が変わり、見る距離が変われば線と量感の関係も変わる。この絵は固定された一枚の像であり、同時に、見られるあいだも変わりつづける表面でもある。

一枚の銀箔は今日の鑑賞者を映し、過去に起きた物質の変化も残している。いま箔に映っている光は、絵の前に立っているその人だけのものである。

この一瞬にだけ。

作家は10月29日（木）・30日（金）に在廊予定です。

線、箔與邊界：在時間中臨在

曙畫廊 Enlighten Gallery 聯展

在羅展鵬近年的繪畫中，線逐漸從描繪的工具成為獨立的造形結構。

這條線最早出現在《思鄉症》系列。水墨、岩彩、油彩與銀箔被置於同一個畫面，來自不同繪畫傳統的材料開始共同作用。到了 2026 年，線被推向畫面的核心：它切入人物的身體，穿過臉孔與肩膀，描繪頭髮與藤蔓，也讓一個繪畫最基本的問題浮現出來：一個形究竟是如何被看見的？

這個問題在東亞繪畫中有漫長的歷史。從白描、水墨到浮世繪，線直接承擔造形，一道輪廓便足以確立人物、植物與水流的存在。十九世紀以後，浮世繪進入歐洲，輪廓、平面與裁切構圖成為現代繪畫理解畫面的重要契機。長期建立在透視、光影與體積之上的西方繪畫，也開始讓畫面承認自身的平面性。

羅展鵬把這段藝術史帶回人物畫。他的臉部仍以油畫建立體積，透明色層逐步堆疊，皮膚在光與影之間形成細微的轉折。頭髮與藤蔓則由明確的線條構成，保持平面而清晰的輪廓。兩種造形方式在同一個人物身上同時運作，交會處形成一道清楚的邊界。

這道邊界落在一張臉上。二十年來，羅展鵬畫的幾乎都是人。他在藝術家自述中寫道，每一幅畫想捕捉的，是人類獨有的光輝：在時間中臨在，在肉身中積累經驗。

這份光輝在他的作品裡以不同的形態出現。《草莓族》畫的是一個世代正在發生的青春。《人間草紙》拿掉布景與道具，只留下五官與一道眼神，畫兩個人四目相對時心裡湧動、卻沒有名字的感覺。《改變歷史的人／被歷史改變的人》把林肯、達爾文、邱吉爾與歷史中無名的受難者並置；曾經照亮一個時代的火光，多已燒成將熄的餘燼。一場巨大的失去之後，《光》第一次把光本身當成描繪的主體。到了《螢火蟲》，那是黑暗裡一明一滅、只能在出現的瞬間被遇見的微光。這些時刻都無法被重新經歷。

2026 年的新作，讓這件事進入畫面的結構。臉以透明色層一層層堆疊而成，每一層都要等前一層乾透，是一段連續經過的時間。線則在一瞬間把形確定下來。一個不斷流動的生命，和一道使它暫時顯形的界線，同時出現在一張臉上。

這種線來自《思鄉症》。2025 年的《思鄉症》追問「亞洲」這個故事由誰來說。長久以來，亞洲多由西方的眼光敘述，被簡化成可辨識、可收藏的異國情調。羅展鵬畫的是台灣的版本：浮世繪的輪廓、水墨、岩彩與燒箔，隨著不同歷史階段進入這座島的文化，與油畫寫實並存在同一個畫面裡。這種彼此疊加的狀態，構成了台灣自身的視覺經驗。新作從這份混雜出發，讓不同來源的繪畫語言在同一個畫面上相遇，各自保留自己的規則。

光在新作裡也以物理的方式進入畫面。2011 年，東京理科大學中井泉教授對尾形光琳《紅白梅圖屏風》進行材料分析，在中央流水部分檢出了銀箔與硫。羅展鵬這批作品中的銀箔與銅箔經過燒製，借用了日本畫「焼箔」的工藝概念。熱與化學反應使金屬表面產生不可逆的色變；藝術家能控制材料、溫度與操作方式，卻無法預先規定每一處最後的顏色。每一處色變都無法重來。

在《一百年不動的少女》系列裡，少女的臉停在一個近乎凝固的時刻，周圍的頭髮與植物仍在運動，金屬表面保存著已經發生、無法倒轉的變化。羅展鵬稱自己的人物為「綿延的肖像」。他在自述中寫道，歷史存在於「一個人物在一切都已改變之後仍然保持靜止的方式裡」。人物靜止，線條流動，箔面保存一次已經完成的物質變化；三種不同的時間感，同時存在於一張畫裡。

這在今天有特殊的重量。影像可以被快速生成、複製，在數位環境中無限重組；燒箔的色變必須經過一次真實的物理過程才能存在。羅展鵬在論考《新時代的新價值觀》中寫道，當一個人的構圖習慣、色彩邏輯與思考方式都能被封裝進 AI 代理，「人的邊界」會開始模糊。在這個時刻，他的人物畫回到人的輪廓，以手繪的慢，一層層畫出一個生命曾經經過的時間。

寫實的體積、東亞的線、岩彩的顆粒、油彩的透明層，以及金屬箔對現場光線的反射，共存於同一張畫布。觀看者的位置也成為作品的一部分：人移動，箔面的反射隨之改變；觀看距離改變，線與體積的關係也跟著改變。這幅畫是一個被固定下來的影像，同時也是一個隨觀看持續變化的表面。

一片銀箔反射著今天的觀者，也保存著過去發生的物質變化。箔面此刻映出的光，只屬於站在畫前的這個人。

只在這一刻。

藝術家將於 10/29（四）、10/30（五）親臨現場。